Ulla Johnson, Jason Wu und Adeam zeigen Bohemiens, Uptown-Girls und Punks

Jul 28, 2023

Ein entspannter Superbowl-Sonntag bereitete Ulla Johnson, Jason Wu und Hanako Maeda von Adeam die Bühne, um sich ihre Frauen für Herbst/Winter 2023 vorzustellen. Wie schafft es eine maximalistische Haute-Bobo-Marke, minimal zu sein? Für Ulla Johnson ist das so, und das ist auch nicht der Fall. Im Gespräch mit Reportern hinter den Kulissen ihrer Laufstegshow am Sonntagmorgen – 65 Stockwerke über Manhattan in einem riesigen Raum mit Glaswänden im Wolkenkratzer, der den neuen Hauptsitz von Pfizer beherbergt – erklärte die gebürtige New Yorkerin und Designerin die stromlinienförmige Ausrichtung der Kollektion.

„Wir haben begonnen, einige Dinge wegzulassen und reduzierte Silhouetten hinzuzufügen, um den Körper zu betonen. Sogar diese Wahl des Veranstaltungsortes, nur die offene Skyline, ist anders. Ich habe lange Momente damit verbracht, New York City durch Covid mit aufwändigen Sets in Kulturinstitutionen zu ehren, und.“ „Diese Aussicht fühlte sich wie der ultimative Moment davon an“, sagte sie. Der gepaarte Rückenstil kam am deutlichsten bei Looks zum Ausdruck, die auf einer neuen Tulpenrockform aus glänzenden, einfarbigen Chintz-Stoffen oder glänzendem Wachsleder basieren, als übergroßes Jacken-Slash-Kleid mit handbemalten Blumen oder Blouson-Faltenhosen im 80er-Jahre-Stil. Die Designübung zeigte sich auch in den monochromatischen und tonalen Farbgeschichten, insbesondere in Rost oder Terrakotta. Anzeichen des klareren Ansatzes waren ein salbeigrüner, sanft strukturierter Hosenanzug und Denim-Looks, die auf Silhouetten statt auf Drucken setzten. Johnson arbeitet im Allgemeinen mit Kunsthandwerkern in Afrika zusammen, beispielsweise in Madagaskar, wo sie ihre charakteristischen Häkelarbeiten herstellt, die auch einen klareren grafischen Ansatz verfolgen, da mehrere Stücke ein konzentrisches Kreismuster aufweisen. Der Designer sagte, Strickwaren seien sehr wichtig, obwohl traditionelle Strickwaren auf dem Laufsteg rar seien, außer etwas Mohair und Rippstrick bei einigen Artikeln.

Oberbekleidung war ein neuer Schwerpunkt mit glatten Puffern, gestrickter Wolle mit Intarsienmuster und einem Lammfell als Paradebeispiel. Johnson bezog sich als Ausgangspunkt auf zerlegte Innendetails eines Militärmantels, obwohl das Ergebnis nicht als Uniform erkennbar war. Accessoires wie fransenbesetzte Kitten-Heels, Pumps mit Maschenabsatz und mehrfarbige Wildleder-Schulranzen entwickeln sich weiter. Sie werden das Angebot in den Flagship-Stores des Designers, darunter auch am kommenden dritten Standort in Los Angeles, gut abrunden. Allerdings gab es, um es anschaulicher zu machen, jede Menge von Johnsons üblichen femininen Rüschen und Rüschen, vor allem Kleider, die im Einzelhandel gut ankamen, so die Designerin. Die Show ging weiter, da die Artikel in verschiedenen Farben oder Mustern erhältlich waren. Die Bearbeitung ist ein schwieriger Abgrund. Johnsons Eifer, alles zu zeigen, birgt die Gefahr, ihre eindeutige Sichtweise zu verwässern. Was nicht allzu lange anhielt, war Black Belt Eagle Scout, eine First-Nations-Band, die während der gesamten Show eine gefühlvolle, transformierende Melodie spielte. Abgesehen von ihrer Musik hat Johnson die Band möglicherweise ausgewählt, um Lenapehoking, dem Heimatland der Lenape, dem heutigen Manhattan, zu würdigen. Ob detailreich oder schlicht und schlicht, Johnsons facettenreiche Kollektionen feiern nicht nur die Menschen, die sie tragen, sondern auch diejenigen, die sie herstellen, und sogar diejenigen, die davor waren.

In ähnlicher Weise verfolgte Jason Wu für seine Herbst/Winter-Show einen „Weniger ist mehr“-Ansatz, obwohl sich die Methode und das Ergebnis drastisch unterschieden. Wu begann auch mit dem Standort, dem Peter B. Lewis Theater im von Frank Lloyd Wright entworfenen und zum UNESCO-Weltkulturerbe gehörenden Guggenheim Museum. Der Raum ermöglichte eine gemütlichere, intimere Betrachtung im Vergleich zu den eleganten, minimalistischen Räumen, die der Designer normalerweise bevorzugt. Nach der Show erklärte der Designer, es habe damit zu tun, einen kulturellen Moment in New York zu erleben. „Ich schätze Architektur; ich liebe sie. Ich bin ein New Yorker Designer, daher ist es schön, sie in einem Wahrzeichen zu zeigen, das es hier noch nie zuvor gegeben hat“, sagte Wu hinter der Bühne zu FashionNetwork.com. Es eignete sich auch für die Betonung, die Wu vermitteln wollte. Ähnlich wie man langsam durch ein Museum schlendert und sich die Zeit nimmt, das, was man sieht, in sich aufzunehmen, nutzte der Designer den runden Theaterraum, um den Models die Möglichkeit zu geben, die Menge zu umkreisen und langsam zu gehen. „Warum drängen wir die Mädchen alle zwei Sekunden raus? Können wir uns die Kleidung ansehen? Dafür sind wir hier. Es ist eine Neubewertung dessen, warum ich zur Mode gekommen bin – um schöne Kleidung herzustellen. Ich möchte, dass das mehr im Mittelpunkt steht.“ als alles andere“, fuhr er fort und bemerkte, dass es immer noch nur eine Acht-Minuten-Show im Vergleich zu sechs war. Die Inszenierung gab den Gästen einen Moment, den subtilen Richtungswechsel in Wus Richtung mitzuerleben. Am bemerkenswertesten war die Schneiderkunst, oft mit Stickereien auf geformten Jacken und Mänteln.

„Ich bin 40 geworden und fühle mich gut und selbstbewusster. Ich wollte eine andere Seite und mehr von mir zeigen und mich immer weiterentwickeln. Die meisten Leute wissen es nicht, aber ich bin zur Schule gegangen, um Herrenmode zu studieren“, erklärte er. Er spielte auch mit Unvollkommenheit, etwas, das er in jungen Jahren vermied Ein Ensemble aus verziertem Rock mit geteiltem Bein und passendem Tanktop oder ein zarter, durchsichtiger Organzabesatz an einem voluminösen trägerlosen Kleid. Überall verteilte Farbtupfer; Lila wie ein Trenchcoat-Top, rot wie ein atemberaubendes Kleid im Bustier-Stil; Gelb in glänzendem Finish auf einem anderen trägerlosen Kleid; Hellbraun auf halbdeckenden Fransenröcken und -kleidern und Weiß für die Seidenstoffe mit botanischem Print, inspiriert vom Künstler Karl Blossfeldt aus dem 20. Jahrhundert. Schwarz, ein New Yorker Trend, setzte sich durchgehend durch und spielte mit der Form, wenn es in durchscheinenden, durchscheinenden Tüllen und Spitzen gezeigt wurde, die den Körper auf edle Art und Weise enthüllen; Wu ist niemals vulgär. Er ist auch nie trendy. „Ich muss kein Instagram-Favorit sein. In der Sammlung geht es darum, ein wenig loszulassen, denn in einer Photoshop-Welt mit vielen Filtern müssen wir real sehen. Es ist eine schnelle Welt, und ich wollte fast ein Erlebnis bieten.“ wie eine Aufführung“, fügte er hinzu. Damit verdient Wu eine Verbeugung.

Eine andere Designerin erweitert ihre Kollektion, um integrativer zu sein. Hanako Maeda erreicht im Jahr 2022 ihr zehnjähriges Bestehen im Geschäft und blickt auf das nächste Jahrzehnt, indem sie ihr Angebot – das den Spitznamen „Hybrid“ trägt – um eine neue Unisex-Linie erweitert, die auf der Messe erstmals vorgestellt wurde: „Ich habe zwei eigenständige Geschäfte in Tokio , und ich habe gesehen, dass viele meiner Kunden mit ihren männlichen Partnern und Freunden zum Einkaufen kamen, und viele Männer tragen bereits meine Strickwaren, also war das der Ausgangspunkt. Ich wollte eine Kollektion machen, die verschiedene Arten von Menschen anspricht, die sich fühlen „Flüssig, das war also der Ausgangspunkt für die Kollektion“, sagte Maeda hinter der Bühne gegenüber FashionNetwork.com. Aber zuerst gab es die Damenkollektion. Mit einer dramatischen Inszenierung von Thierry Dreyfus – der unter anderem Marken wie Comme des Garçons, Jil Sander, Chloè und Ann Demeulemeester zu seinen Kunden zählt – wurde die Show mit den Laserstrahllichtern der französischen Lichtdesigner mit einem einzelnen Modell eröffnet. Kurzhaarmodell, das im Mittelpunkt steht. Das und die Musik verliehen ihm eine Stranger-Things-Atmosphäre (und ein schwarzer Pullover und ein weißes Hemd erinnerten später an Wednesday Adams), aber Maeda hatte Pop-Punk der Neunziger (denken Sie an Green Day und Blink 182) im Kopf und dazu Einflüsse von Manga-Charakteren aus Tokio . Zu diesem Zweck gab es Schottenkaro, klobige Schuhe und Kettengürtel.

Darüber hinaus gab es viele Kleider mit übertriebenen Puffärmeln, gerüschten Schleppenröcken und über längere Röcke geschichtete Tüll-Babypuppen. Abendgarderobe-Akzente wurden auch in tolle Kleidungsstücke für den Tag eingearbeitet; Die Herbstgarderobe von Maeda umfasst maßgeschneiderte Jacken im schulterfreien und Gürtelstil, Faltenröcke und leichte Chiffon-Tageskleider sowie Pussybow-Kleider mit Peek-a-Bow-Schulter. Es schien, als würde die Show enden, bis ein anderer Model-Slash-Musiker, der japanische Rocker Miyavi, im Mittelpunkt stand und weitere leichte Possen von Dreyfus spielte, während er ein fesselndes Gitarrensolo spielte. Er kündigte die geschlechtsneutrale ICHI-Kollektion von Adeam an und orientierte sich dabei am Grunge-Konzept. Es gab jede Menge Oberbekleidung wie kastenförmige Anoraks, Westen und Five-Pocket-Modelle; Grundnahrungsmittel wie karierte Hemden, übergroße Cargo-Shorts und Strick in Used-Optik, die in einem Lagen-Mashup-Look zusammengestellt sind und das breitere Publikum ansprechen, das Maeda sucht.

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